ในยุคกลางเริ่มมีการประสานเสียงอย่างง่าย เรียกว่าอะไร

ตราสาร

เครื่องมือที่ใช้ในการแสดงดนตรีในยุคกลางที่ยังคงอยู่ในศตวรรษที่ 21 แต่ในที่แตกต่างกันมากขึ้นและมักจะพัฒนาเทคโนโลยีรูปแบบ [2]ขลุ่ยที่ทำจากไม้ในยุคพุทธกาลมากกว่าเงินหรืออื่น ๆ ที่เป็นโลหะและอาจจะทำให้เป็นเครื่องมือด้านเป่าหรือสิ้นเป่า ในขณะที่ฟลุตวงออเคสตราสมัยใหม่มักทำจากโลหะและมีกลไกหลักที่ซับซ้อนและแผ่นรองอัดอากาศฟลุตในยุคกลางมีรูที่ผู้แสดงต้องเอานิ้วปิด (เช่นเดียวกับเครื่องบันทึก) บันทึกที่ทำจากไม้ในช่วงยุคสมัยกลางและแม้จะมีความจริงที่ว่าในศตวรรษที่ 21 ก็อาจจะทำจากวัสดุสังเคราะห์จะได้มากหรือน้อยสะสมรูปแบบที่ผ่านมา gemshornจะคล้ายกับการบันทึกในขณะที่มันมีรูนิ้วบนด้านหน้าแม้ว่ามันจะเป็นจริงสมาชิกของขลุ่ยรูปไข่ครอบครัว หนึ่งในฟลูตรุ่นก่อนคือฟลุตกระทะได้รับความนิยมในยุคกลางและอาจมีต้นกำเนิดจากกรีก ท่อของเครื่องดนตรีนี้ทำจากไม้และมีความยาวเพื่อสร้างพิทช์ที่แตกต่างกัน [ ต้องการอ้างอิง ]

เพลงในยุคกลางที่ใช้ดึงหลายเครื่องสายเช่นกีตาร์เป็นเครื่องดนตรีนมกับลูกแพร์ร่างกายกลวงซึ่งเป็นบรรพบุรุษในปัจจุบันกีตาร์ เครื่องสาย plucked อื่น ๆ รวมถึงการMandore , gittern , citoleและพิณใหญ่ dulcimersที่คล้ายกันในโครงสร้างกับพิณใหญ่และจะเข้ถูกดึงออกมา แต่เดิม แต่นักดนตรีเริ่มที่จะตีขิมด้วยค้อนในศตวรรษที่ 14 หลังจากการมาถึงของเทคโนโลยีโลหะใหม่ที่ทำให้สายโลหะที่เป็นไปได้ [ ต้องการอ้างอิง ]

ไลราโค้งคำนับของจักรวรรดิไบแซนไทน์เป็นเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายโค้งคำนับของยุโรปเครื่องแรกที่บันทึกไว้ เช่นเดียวกับไวโอลินสมัยใหม่นักแสดงจะสร้างเสียงโดยการขยับคันธนูที่มีผมตึงบนสายที่ตึง เปอร์เซียภูมิศาสตร์อิบัน Khurradadhbihศตวรรษที่ 9 (d. 911) อ้างไลราไบเซนไทน์ในการอภิปราย lexicographical ของเขาของเครื่องมือเป็นเทียบเท่าเครื่องมือโค้งคำนับให้กับอาหรับrababและเครื่องดนตรีทั่วไปของไบเซนไทน์พร้อมกับurghun ( อวัยวะ ) [3 ] [การตรวจสอบล้มเหลว ] shilyani (อาจเป็นชนิดของพิณหรือพิณ ) และsalandj (อาจเป็นปี่ ) Hurdy-gurdyคือ (และยังคงเป็น) ไวโอลินเชิงกลที่ใช้วงล้อไม้ดอกกุหลาบที่ติดอยู่กับข้อเหวี่ยงเพื่อ "คำนับ" สายของมัน เครื่องดนตรีที่ไม่มีกล่องเสียงเช่นพิณของอัญมณีก็ได้รับความนิยมเช่นกัน รุ่นแรกของไปป์ออร์แกน , ซอ (หรือVielle ) และปูชนียบุคคลที่ที่ทันสมัยทรอมโบน (เรียกว่าsackbut ) ถูกนำมาใช้ [ ต้องการอ้างอิง ]

ประเภท

เพลงในยุคกลางประกอบด้วยและสำหรับแกนนำบางส่วนและเพลงบรรเลงชั่วคราวสำหรับหลาย ๆ คนที่แตกต่างกันแนวเพลง (รูปแบบของเพลง) เพลงในยุคกลางที่สร้างขึ้นสำหรับศักดิ์สิทธิ์ (การใช้งานคริสตจักร) และฆราวาส (ใช้ที่ไม่ใช่ศาสนา) มักจะเป็นหนังสือที่เขียนโดยนักประพันธ์เพลง, ยกเว้นบางเสียงที่เปล่งออกศักดิ์สิทธิ์และดนตรีโลกซึ่งได้รับการชั่วคราว (ทำขึ้นบนจุด) ในช่วงยุคสมัยก่อนหน้านี้ที่พิธีกรรมประเภทส่วนใหญ่เกรกอเรียนทำโดยพระสงฆ์เป็นโมโนโฟนิค ( "เหมือน" หมายถึงบรรทัดไพเราะเดียวโดยไม่เป็นส่วนหนึ่งของความสามัคคีหรือบรรเลงคลอ) ประเภทโพลีโฟนิกซึ่งมีการแสดงทำนองเพลงอิสระหลาย ๆ แนวพร้อม ๆ กันเริ่มพัฒนาในช่วงยุคกลางสูงเริ่มแพร่หลายในช่วงศตวรรษที่ 13 และต้นศตวรรษที่ 14 ต่อมา การพัฒนารูปแบบโพลีโฟนิกที่มีการประสานเสียงที่แตกต่างกันมักเกี่ยวข้องกับสไตล์Ars nova ในยุคกลางตอนปลายซึ่งเจริญรุ่งเรืองในช่วงทศวรรษ 1300 Ars Nova ซึ่งหมายถึง "ศิลปะใหม่" เป็นรูปแบบใหม่ในการเขียนเพลงซึ่งทำหน้าที่เป็นจุดเปลี่ยนสำคัญจากรูปแบบดนตรียุคกลางไปสู่รูปแบบที่แสดงออกมากขึ้นของยุคดนตรีเรอเนสซองส์หลังทศวรรษ 1400

นวัตกรรมที่เก่าแก่ที่สุดบน plainchant เหมือนเป็นheterophonic "Heterophony" คือการแสดงทำนองเดียวกันโดยนักแสดงสองคนที่แตกต่างกันในเวลาเดียวกันซึ่งนักแสดงแต่ละคนจะปรับเปลี่ยนเครื่องประดับที่เธอหรือเขาใช้เล็กน้อย อีกรูปแบบหนึ่งที่เรียบง่ายของความแตกต่างคือการให้นักร้องร้องเพลงที่มีรูปร่างเหมือนกัน แต่มีคนหนึ่งร้องทำนองและคนที่สองร้องเพลงทำนองด้วยระดับเสียงที่สูงขึ้นหรือต่ำลง Organumตัวอย่างเช่นการขยายความทำนอง plainchant ใช้สายที่มาพร้อมกับร้องที่คงที่ช่วงเวลา (มักจะเป็นทั้งหมดห้าหรือสมบูรณ์แบบที่สี่ออกไปจากทำนองหลัก) มีการสลับที่เกิดระหว่างรูปแบบที่เรียบง่ายของพฤกษ์และ monophony [7]หลักการของออแกนนัมย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 9 ทางเดินที่ไม่ระบุชื่อMusica enchiriadisซึ่งกำหนดประเพณีของการทำซ้ำที่ราบที่มีอยู่ก่อนหน้านี้ในการเคลื่อนที่แบบขนานในช่วงเวลาของคู่แปดหนึ่งที่ห้าหรือสี่

ของความซับซ้อนมากขึ้นเป็นเต็ตซึ่งพัฒนามาจากclausulaประเภทของยุคกลางplainchant motet จะกลายเป็นรูปแบบที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของพฤกษ์ในยุคกลาง ในขณะที่ motets ต้นพิธีกรรมศักดิ์สิทธิ์หรือ (ที่ออกแบบมาสำหรับการใช้งานในการให้บริการคริสตจักร) ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบสามประเภทที่ได้ขยายไปถึงหัวข้อฆราวาสเช่นความรักช่างเอาใจ ความรักในราชสำนักคือความเคารพนับถือของหญิงสาวจากระยะไกลโดยชายผู้มีใจรักและมีเกียรติ Motets ยอดนิยมหลายเพลงมีเนื้อเพลงเกี่ยวกับความรักของผู้ชายคนหนึ่งและการชื่นชมผู้หญิงที่สวยงามมีเกียรติและเป็นที่ชื่นชมมาก [ ต้องการอ้างอิง ]

Motet ในยุคกลางพัฒนาขึ้นในช่วงยุคดนตรีเรอเนสซองส์ (หลังปี 1400) ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาประเภทฆราวาสชาวอิตาลีของMadrigalได้รับความนิยม เช่นเดียวกับลักษณะโพลีโฟนิกของ motet madrigals มีความลื่นไหลและการเคลื่อนไหวที่ดีกว่าในแนวทำนองชั้นนำ รูปแบบมาดริกัลยังก่อให้เกิดศีลแบบโพลีโฟนิก(เพลงที่นักร้องหลายคนร้องทำนองเดียวกัน แต่เริ่มต้นในเวลาที่ต่างกัน) โดยเฉพาะในอิตาลีที่พวกเขาเรียกว่าแคชชี่ สิ่งเหล่านี้เป็นผลงานทางโลกสามส่วนซึ่งให้ความสำคัญกับเสียงที่สูงกว่าสองเสียงในศีลโดยมีโน้ตยาวเป็นเครื่องมือประกอบ

ในที่สุดดนตรีบรรเลงล้วนได้รับการพัฒนาในช่วงเวลานี้ทั้งในบริบทของประเพณีการแสดงละครที่เพิ่มมากขึ้นและสำหรับการแสดงในศาลสำหรับชนชั้นสูง เพลงเต้นรำซึ่งมักจะด้นสดรอบ ๆ ถ้วยรางวัลที่คุ้นเคยเป็นแนวเพลงบรรเลงที่ใหญ่ที่สุด บัลลาตาฆราวาสซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในTrecentoอิตาลีมีต้นกำเนิดเช่นดนตรีเต้นรำในยุคกลาง

สัญกรณ์

ในช่วงยุครากฐานที่ถูกวางสำหรับการปฏิบัติสัญลักษณ์และทฤษฎีที่จะรูปร่างดนตรีตะวันตกเข้าสู่บรรทัดฐานที่พัฒนาในช่วงยุคการปฏิบัติร่วมกัน สิ่งที่ชัดเจนที่สุดคือการพัฒนาระบบสัญกรณ์ดนตรีที่ครอบคลุม อย่างไรก็ตามความก้าวหน้าทางทฤษฎีโดยเฉพาะอย่างยิ่งในเรื่องจังหวะและพฤกษ์มีความสำคัญเท่าเทียมกันในการพัฒนาดนตรีตะวันตก

ตัวอย่างของ Kyrie Eleison XI (Orbis ปัจจัย) จาก Liber Usualis ทันสมัย "neumes" พนักงานเหนือข้อความที่บ่งบอกถึงการโหมโรงของ ทำนอง ฟังมันตีความ

ดนตรีในยุคกลางที่เก่าแก่ที่สุดไม่มีระบบสัญกรณ์ใด ๆ เพลงส่วนใหญ่เป็นแบบโมโนโฟนิก ( ทำนองเดียวโดยไม่ต้องประกอบ ) และถ่ายทอดโดยประเพณีปากเปล่า ในขณะที่โรมพยายามรวมศูนย์พิธีกรรมต่างๆและสร้างพิธีกรรมของชาวโรมันเป็นประเพณีของคริสตจักรหลักความจำเป็นในการถ่ายทอดท่วงทำนองเพลงเหล่านี้ในระยะทางที่กว้างไกลได้อย่างมีประสิทธิภาพ ตราบใดที่ดนตรีสามารถสอนให้คนฟังได้ แต่ "ทางหู" มันจำกัดความสามารถของคริสตจักรในการทำให้ภูมิภาคต่างๆสามารถร้องเพลงทำนองเดียวกันได้เนื่องจากคนใหม่แต่ละคนจะต้องใช้เวลากับคนที่รู้จักอยู่แล้ว เพลงและเรียนรู้ "ทางหู" ขั้นตอนแรกที่จะแก้ไขปัญหานี้มาพร้อมกับการเปิดตัวของสัญญาณต่างๆที่เขียนข้างต้นตำราสวดมนต์เพื่อแสดงทิศทางของการเคลื่อนไหวสนามเรียกว่าneumes

ต้นกำเนิดของneumesไม่ชัดเจนและอาจมีการถกเถียงกันบ้าง อย่างไรก็ตามนักวิชาการส่วนใหญ่ยอมรับว่าบรรพบุรุษที่ใกล้เคียงที่สุดของพวกเขาคือสัญญาณทางไวยากรณ์แบบกรีกและโรมันแบบคลาสสิกที่ระบุจุดสำคัญของการประกาศโดยบันทึกการขึ้นและลงของเสียง ทั้งสองสัญญาณพื้นฐานของไวยากรณ์คลาสสิกเป็นacutus / แสดงให้เห็นการเพิ่มเสียงให้และgravis \ แสดงให้เห็นการลดเสียง นักร้องที่อ่านข้อความสวดมนต์ที่มีเครื่องหมาย neume จะสามารถเข้าใจได้โดยทั่วไปว่าทำนองเพลงขึ้นในระดับเสียงอยู่เหมือนเดิมหรือลงไปในระดับเสียง สำหรับนักร้องที่รู้จักเพลงอยู่แล้วการเห็นเครื่องหมายนีอุเมะที่เขียนไว้เหนือข้อความจะช่วยกระตุ้นความจำของเขาหรือเธอว่าทำนองเพลงนั้นเป็นอย่างไร อย่างไรก็ตามนักร้องที่อ่านข้อความสวดมนต์ที่มีเครื่องหมาย neume จะไม่สามารถมองเห็นได้ว่าจะอ่านเพลงที่เขาหรือเธอไม่เคยได้ยินมาก่อน [ ต้องการอ้างอิง ]

ในที่สุด neumes เหล่านี้ก็กลายเป็นสัญลักษณ์พื้นฐานสำหรับสัญกรณ์neumatic , virga (หรือ "rod") ซึ่งบ่งบอกถึงโน้ตที่สูงขึ้นและยังคงดูเหมือนacutusที่มันมา; และPunctum (หรือ "จุด") ซึ่งแสดงให้เห็นโน้ตที่ต่ำกว่าและเป็นชื่อที่แสดงให้เห็นการลดgravisสัญลักษณ์จุด ดังนั้นจึงสามารถรวมacutusและgravisเพื่อแสดงการผันเสียงของเสียงในพยางค์ สัญกรณ์แบบนี้ดูเหมือนจะไม่พัฒนาเร็วกว่าศตวรรษที่แปด แต่เมื่อถึงศตวรรษที่เก้ามันได้รับการยอมรับอย่างมั่นคงว่าเป็นวิธีการหลักของสัญกรณ์ดนตรี สัญกรณ์พื้นฐานของvirgaและpunctumยังคงเป็นสัญลักษณ์สำหรับโน้ตแต่ละตัว แต่ในไม่ช้าก็มีการพัฒนาneumesซึ่งแสดงให้เห็นว่ามีโน้ตหลายตัวรวมกัน neumeใหม่เหล่านี้ซึ่งเรียกว่า ligatures คือการผสมสัญญาณดั้งเดิมทั้งสองอย่างเข้าด้วยกัน

สัญกรณ์ดนตรีแรกคือการใช้จุดบนเนื้อเพลงเพื่อสวดมนต์โดยจุดบางจุดจะสูงขึ้นหรือต่ำลงทำให้ผู้อ่านเข้าใจทิศทางของทำนองเพลงได้โดยทั่วไป อย่างไรก็ตามรูปแบบของสัญกรณ์นี้ทำหน้าที่เป็นเครื่องช่วยความจำสำหรับนักร้องที่รู้จักทำนองเพลงอยู่แล้ว สัญกรณ์นิวมาติกพื้นฐานนี้สามารถระบุได้เฉพาะจำนวนโน้ตและไม่ว่าจะเลื่อนขึ้นหรือลง ไม่มีวิธีใดที่จะบ่งบอกระดับเสียงที่แน่นอนจังหวะใด ๆ หรือแม้แต่โน้ตเริ่มต้น ข้อ จำกัด เหล่านี้เป็นข้อบ่งชี้เพิ่มเติมว่าneumesได้รับการพัฒนาเป็นเครื่องมือเพื่อสนับสนุนการปฏิบัติตามประเพณีปากเปล่าแทนที่จะแทนที่มัน อย่างไรก็ตามแม้ว่ามันจะเริ่มต้นเป็นเพียงเครื่องช่วยความจำ แต่คุณค่าของการมีสัญกรณ์ที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้นก็ปรากฏชัดในไม่ช้า

พัฒนาการต่อไปในสัญกรณ์ดนตรีคือ " neumes สูง " ซึ่งneumesถูกวางไว้อย่างระมัดระวังในระดับความสูงที่แตกต่างกันในความสัมพันธ์ซึ่งกันและกัน สิ่งนี้ทำให้neumesสามารถบ่งชี้ขนาดของช่วงเวลาที่กำหนดและทิศทางได้อย่างคร่าวๆ สิ่งนี้นำไปสู่หนึ่งหรือสองบรรทัดอย่างรวดเร็วโดยแต่ละบรรทัดแสดงถึงโน้ตเฉพาะถูกวางลงบนเพลงพร้อมกับneumesทั้งหมดที่เกี่ยวข้องกับเพลงก่อนหน้านี้ ในตอนแรกบรรทัดเหล่านี้ไม่มีความหมายเป็นพิเศษและมีตัวอักษรวางไว้ที่จุดเริ่มต้นแทนเพื่อระบุว่าบันทึกย่อใดเป็นตัวแทน อย่างไรก็ตามเส้นที่ระบุ C ตรงกลางและ F ที่ห้าด้านล่างกลายเป็นเรื่องปกติมากที่สุด ในตอนแรกเป็นเพียงรอยขีดข่วนบนแผ่นหนังตอนนี้เส้นถูกวาดด้วยหมึกสีที่แตกต่างกันสองสี: โดยปกติจะเป็นสีแดงสำหรับ F และสีเหลืองหรือสีเขียวสำหรับ C นี่คือจุดเริ่มต้นของทีมดนตรี ความสำเร็จของพนักงานสี่สายมักจะให้เครดิตกับGuido d 'Arezzo (ประมาณ ค.ศ. 1000–1050) ซึ่งเป็นหนึ่งในนักทฤษฎีดนตรีที่สำคัญที่สุดในยุคกลาง ในขณะที่แหล่งข้อมูลรุ่นเก่าระบุถึงการพัฒนาของพนักงานให้กับกุยโดนักวิชาการสมัยใหม่บางคนแนะนำว่าเขาทำหน้าที่เป็นตัวเข้ารหัสของระบบที่กำลังพัฒนาไปแล้วมากกว่า ไม่ว่าจะด้วยวิธีใดสัญกรณ์ใหม่นี้อนุญาตให้นักร้องเรียนรู้ชิ้นส่วนที่เขาไม่รู้จักโดยสิ้นเชิงในเวลาที่สั้นกว่ามาก อย่างไรก็ตามแม้ว่าสัญกรณ์บทสวดจะก้าวหน้าไปในหลาย ๆ ด้าน แต่ปัญหาพื้นฐานอย่างหนึ่งก็ยังคงอยู่: จังหวะ neumaticระบบสัญลักษณ์แม้จะอยู่ในรัฐที่พัฒนาอย่างเต็มที่ไม่ได้กำหนดอย่างชัดเจนชนิดของจังหวะใด ๆ สำหรับการร้องเพลงของบันทึก

ทฤษฎีดนตรีของยุคเห็นความก้าวหน้าหลายกว่าการปฏิบัติก่อนหน้านี้ทั้งในเรื่องวัสดุโทนสีเนื้อและจังหวะ

จังหวะ

Pérotin "Alleluia nativitas" ในโหมดจังหวะที่สาม

เกี่ยวกับจังหวะช่วงนี้มีการเปลี่ยนแปลงอย่างมากทั้งความคิดและสัญกรณ์ ในช่วงต้นยุคกลางไม่มีวิธีใดที่จะระบุจังหวะได้ดังนั้นการปฏิบัติตามจังหวะของดนตรีในยุคแรกนี้จึงเป็นที่ถกเถียงกันในหมู่นักวิชาการ ระบบจังหวะการเขียนแบบแรกที่พัฒนาขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 13 และมีพื้นฐานมาจากโหมดต่างๆ แผนนี้เป็นจังหวะที่ได้รับการประมวลผลโดยทฤษฎีดนตรีโยฮันเนสเดอกา ร์ลานเดีย เขียนDe Mensurabili Musica (c.1250) ตำราที่กำหนดไว้และส่วนใหญ่สมบูรณ์โฮล์มเหล่านี้โหมดจังหวะ ในตำราของเขาโยฮันเนสเดอการ์ลันเดียอธิบายถึงหกชนิดของโหมดหรือหกวิธีที่แตกต่างกันซึ่งสามารถจัดเรียง longs และ breves ได้ แต่ละโหมดจะสร้างรูปแบบจังหวะเป็นจังหวะ (หรือจังหวะ ) ภายในหน่วยทั่วไปสามจังหวะ (a perfectio ) ที่ทำซ้ำครั้งแล้วครั้งเล่า นอกจากนี้สัญกรณ์โดยไม่มีข้อความที่อยู่บนพื้นฐานของโซ่รัด s (สัญลักษณ์ลักษณะโดยที่กลุ่มของบันทึกจะผูกพันกับอีกคนหนึ่ง)

โดยทั่วไปแล้วโหมดจังหวะสามารถกำหนดได้จากรูปแบบของลิเกเจอร์ที่ใช้ เมื่อมีการกำหนดโหมดจังหวะให้กับสายไพเราะโดยทั่วไปจะมีการเบี่ยงเบนเล็กน้อยจากโหมดนั้นแม้ว่าการปรับจังหวะจะบ่งบอกได้จากการเปลี่ยนแปลงในรูปแบบที่คาดไว้ของลิเกเตอร์แม้ในระดับของการเปลี่ยนไปใช้โหมดจังหวะอื่น ขั้นตอนต่อไปข้างหน้าเกี่ยวกับจังหวะที่มาจากเยอรมันทฤษฎีแมทช์โคโลญ ในตำราของเขาArs cantus mensurabilis ("The Art of Mensurable Music") ซึ่งเขียนขึ้นเมื่อปี ค.ศ. 1280 เขาอธิบายถึงระบบสัญกรณ์ซึ่งโน้ตที่มีรูปร่างแตกต่างกันมีค่าจังหวะที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง นี่เป็นการเปลี่ยนแปลงที่โดดเด่นจากระบบก่อนหน้าของเดอการ์ลันเดีย ในขณะที่ก่อนที่ความยาวของโน้ตแต่ละตัวจะสามารถรวบรวมได้จากโหมดเท่านั้นความสัมพันธ์แบบกลับด้านใหม่นี้ทำให้โหมดขึ้นอยู่กับ - และกำหนดโดย - โน้ตหรือฟิกเกอร์แต่ละตัวที่มีค่าระยะเวลาที่ไม่สามารถย้อนกลับได้นวัตกรรมที่มี ส่งผลกระทบอย่างมากต่อประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปในเวลาต่อมา ดนตรีที่ยังหลงเหลืออยู่ในศตวรรษที่ 13 ส่วนใหญ่ใช้โหมดจังหวะตามที่การ์แลนเดียกำหนดไว้ ขั้นตอนในการวิวัฒนาการของจังหวะเกิดขึ้นหลังจากเปลี่ยนศตวรรษที่ 13 ด้วยการพัฒนาสไตล์Ars Nova

นักทฤษฎีที่ได้รับการยอมรับมากที่สุดเกี่ยวกับรูปแบบใหม่นี้คือPhilippe de Vitryซึ่งมีชื่อเสียงในการเขียนตำราArs Nova ("New Art") ในราวปี 1320 ตำราเกี่ยวกับดนตรีนี้ทำให้ชื่อของมันเป็นรูปแบบของยุคนี้ทั้งหมด ในบางวิธีระบบสมัยใหม่ของสัญกรณ์จังหวะเริ่มต้นด้วย Vitry ซึ่งเป็นอิสระจากความคิดที่เก่ากว่าเกี่ยวกับโหมดจังหวะ รุ่นก่อนสัญลักษณ์เมตรเวลาที่ทันสมัยนอกจากนี้ยังเกิดในอาร์โนวา รูปแบบใหม่นี้สร้างขึ้นจากผลงานของ Franco of Cologne อย่างชัดเจน ในระบบของ Franco ความสัมพันธ์ระหว่างBreveและsemibreves (นั่นคือ half breves) เทียบเท่ากับความสัมพันธ์ระหว่าง breve และ long: และเนื่องจากmodusสำหรับเขานั้นสมบูรณ์แบบเสมอ (จัดกลุ่มเป็นสาม) tempusหรือ beat คือ ยังสมบูรณ์แบบโดยเนื้อแท้ดังนั้นจึงมีสามเซมิเบรฟ บางครั้งบริบทของโหมดต้องการกลุ่มของเซมิเบรฟเพียงสองกลุ่มอย่างไรก็ตามเซมิเบรฟทั้งสองนี้จะเป็นหนึ่งในความยาวปกติและหนึ่งในความยาวสองเท่าดังนั้นจึงใช้เวลาเท่ากันและรักษาส่วนย่อยที่สมบูรณ์แบบของเทมปัส . แบ่งส่วนท้ายนี้มีไว้สำหรับค่าโน้ตทั้งหมด ในทางตรงกันข้ามช่วงเวลาArs Nova ได้นำเสนอการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญสองประการ: ครั้งแรกเป็นการแบ่งส่วนย่อยของโน้ตที่เล็กลง (เซมิเบรฟสามารถแบ่งออกเป็นขั้นต่ำได้แล้ว ) และประการที่สองคือการพัฒนา "การกำหนดระยะเวลา"

การกำหนดเวลาสามารถใช้ร่วมกันในรูปแบบต่างๆเพื่อสร้างการจัดกลุ่มเมตริก การจัดกลุ่มบุรุษเหล่านี้เป็นสารตั้งต้นของมิเตอร์แบบง่ายและแบบผสม ตามเวลาของArs Novaการแบ่งส่วนที่สมบูรณ์แบบของTempusไม่ใช่ทางเลือกเดียวในขณะที่การแบ่งแยกดวลกลายเป็นที่ยอมรับมากขึ้น สำหรับ Vitry นั้นสามารถแบ่ง Breve สำหรับองค์ประกอบทั้งหมดหรือส่วนหนึ่งออกเป็นกลุ่มเซมิเบรฟขนาดเล็กสองหรือสามตัว ด้วยวิธีนี้tempus (คำที่ใช้เพื่อแสดงถึงการแบ่งส่วนของ breve) อาจเป็น "สมบูรณ์แบบ" ( tempus perfectum ) โดยมีการแบ่งส่วนท้ายหรือ "ไม่สมบูรณ์" ( tempus imperfectum ) ด้วยการแบ่งย่อยแบบไบนารี ในทำนองเดียวกันการแบ่งเซมิบรีฟ (เรียกว่าprolation ) สามารถแบ่งออกเป็นสามminima ( prolatio perfectusหรือ major prolation) หรือสองminima ( prolatio imperfectusหรือ minor prolation) และในระดับที่สูงกว่าการแบ่งlongs (เรียกว่าmodus ) อาจเป็นสามหรือสองช่อง ( modus perfectusหรือ perfect mode หรือmodus imperfectusหรือ imperfect mode ตามลำดับ) Vitry ก้าวไปอีกขั้นด้วยการระบุการแบ่งชิ้นส่วนที่เหมาะสมในตอนเริ่มต้นผ่านการใช้ "mensuration sign" ซึ่งเทียบเท่ากับ "ลายเซ็นเวลา" ที่ทันสมัยของเรา

Tempus perfectumถูกระบุด้วยวงกลมในขณะที่tempus imperfectumแสดงด้วยครึ่งวงกลม (สัญลักษณ์ปัจจุบันใช้เป็นทางเลือกสำหรับไฟล์ 4 4ลายเซ็นเวลาถือเป็นสัญลักษณ์นี้จริง ๆ แล้วไม่ใช่ตัวอักษรCเป็นตัวย่อของ "เวลาทั่วไป" ตามที่คนทั่วไปเชื่อกัน) แม้ว่านวัตกรรมเหล่านี้จำนวนมากได้รับการกำหนดให้เป็น Vitry และมีอยู่ในบทความของArs Novaแต่ก็เป็นความคุ้นเคยร่วมสมัยและเป็นส่วนตัวของ de Vitry ชื่อJohannes de Muris (หรือJehan des Mars ) ซึ่งให้การรักษาที่ครอบคลุมและเป็นระบบมากที่สุด ของนวัตกรรมทางด้านบุรุษใหม่ของArs Nova (สำหรับคำอธิบายสั้น ๆ เกี่ยวกับสัญกรณ์บุรุษโดยทั่วไปโปรดดูบทความดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ) นักวิชาการหลายคนอ้างว่าไม่มีหลักฐานเชิงบวกในเชิงบวกตอนนี้ถือว่าตำรา "Vitry" เป็นแบบไม่ระบุชื่อ แต่สิ่งนี้ไม่ได้ลดทอนความสำคัญสำหรับประวัติศาสตร์ของสัญกรณ์จังหวะ อย่างไรก็ตามสิ่งนี้ทำให้นักวิชาการคนแรกที่สามารถระบุตัวตนได้อย่างแน่นอนยอมรับและอธิบายถึงระบบบุรุษรัลคือเดอมูริสซึ่งสามารถกล่าวได้ว่าได้ทำสิ่งที่การ์ลันเดียทำสำหรับโหมดจังหวะ

ในช่วงเวลาของยุคกลางดนตรีส่วนใหญ่จะประกอบขึ้นด้วยอารมณ์ที่สมบูรณ์แบบเป็นหลักพร้อมด้วยเทคนิคพิเศษที่สร้างขึ้นโดยส่วนของอุณหภูมิที่ไม่สมบูรณ์ มีการถกเถียงกันอย่างมากในหมู่นักดนตรีในปัจจุบันว่าส่วนดังกล่าวดำเนินการโดยมีความยาวเท่ากันหรือไม่หรือมีการเปลี่ยนแปลงหรือไม่และถ้าเป็นเช่นนั้นในสัดส่วนเท่าใด นี้อาร์โนสไตล์ยังคงเป็นระบบลีลาหลักจนกระทั่งงานลัดสูงของsubtilior Arsในตอนท้ายของศตวรรษที่ 14 โดดเด่นด้วยสุดขั้วของความซับซ้อนสัญลักษณ์และจังหวะ สกุลย่อยนี้ผลักดันให้เสรีภาพในจังหวะที่Ars Nova มีให้ถึงขีด จำกัด โดยมีบางองค์ประกอบที่มีการเขียนเสียงที่แตกต่างกันในรูปแบบที่แตกต่างกันไปพร้อม ๆ กัน ความซับซ้อนของจังหวะที่เกิดขึ้นในดนตรีนี้เทียบได้กับในศตวรรษที่ 20

พฤกษ์

เพโรติน 's Viderunt omnesแคลิฟอร์เนีย ศตวรรษที่ 13

ความสำคัญเท่าเทียมกันกับประวัติศาสตร์โดยรวมของทฤษฎีดนตรีตะวันตกคือการเปลี่ยนแปลงทางเนื้อสัมผัสที่มาพร้อมกับการถือกำเนิดของพฤกษ์ แนวปฏิบัตินี้หล่อหลอมดนตรีตะวันตกให้กลายเป็นดนตรีที่มีความกลมกลืนกันอย่างที่เรารู้จักกันในปัจจุบัน บัญชีแรกของการพัฒนาเนื้อสัมผัสนี้ถูกพบในสองที่ไม่ระบุชื่อยังบทความหมุนเวียนกันอย่างแพร่หลายในเพลงMusicaและScolica enchiriadis ข้อความเหล่านี้มีอายุถึงช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่เก้า บทความนี้อธิบายถึงเทคนิคที่ดูเหมือนจะได้รับการยอมรับอย่างดีในทางปฏิบัติแล้ว พฤกษ์ต้นนี้ขึ้นอยู่กับสามช่วงเวลาที่เรียบง่ายและสามช่วงผสมกัน กลุ่มแรกประกอบด้วยสี่ห้าและอ็อกเทฟ ในขณะที่กลุ่มที่สองมีอ็อกเทฟ - บวก - สี่, อ็อกเทฟ - บวก - ห้าและอ็อกเทฟคู่ นี้ปฏิบัติใหม่จะได้รับชื่อorganumโดยผู้เขียนบทความนี้ Organumยังสามารถจำแนกได้อีกขึ้นอยู่กับช่วงเวลาที่เขียน ออร์กานัมต้นตามที่อธิบายไว้ในเอนจิริอาดิสสามารถเรียกได้ว่า " ออร์แกนที่เข้มงวด" ออร์กานัมที่เข้มงวดสามารถแบ่งย่อยออกเป็นสองประเภท: ไดอาเพนเต (ออร์กานัมในช่วงเวลาหนึ่งในห้า) และไดอาเทสเซอรอน (ออร์กานัมในช่วงเวลาของ a ที่สี่). อย่างไรก็ตามออร์แกนที่เข้มงวดทั้งสองประเภทนี้มีปัญหากับกฎดนตรีในเวลานั้น ถ้าคนใดคนหนึ่งขนานกับบทสวดต้นฉบับนานเกินไป (ขึ้นอยู่กับโหมด) จะเกิดผลไตรโทน

ปัญหานี้ได้บ้างเอาชนะด้วยการใช้ประเภทที่สองของorganum สไตล์นี้ที่สองของorganumถูกเรียกว่า "ฟรีorganum " ปัจจัยที่แตกต่างคือชิ้นส่วนไม่จำเป็นต้องเคลื่อนที่ในลักษณะขนานเท่านั้น แต่ยังสามารถเคลื่อนที่ในแนวเฉียงหรือตรงกันข้ามได้ สิ่งนี้ทำให้ง่ายขึ้นมากในการหลีกเลี่ยงไตรโทนที่น่ากลัว รูปแบบสุดท้ายของอวัยวะที่พัฒนาเป็นที่รู้จักกันในชื่อ " melismatic organum " ซึ่งเป็นการจากไปของดนตรีโพลีโฟนิกที่เหลืออย่างน่าทึ่งจนถึงจุดนี้ รูปแบบใหม่นี้ไม่ได้ถูกบันทึกไว้ในโน้ต แต่เป็นเพียงเส้นเดียวที่คงอยู่พร้อมกับเส้นที่มีความไพเราะเหมือนดอกไม้ นี้ชนิดสุดท้ายของorganumยังได้จัดตั้งขึ้นโดยนักแต่งเพลงโพลีโฟนิมีชื่อเสียงมากที่สุดของเวลานี้Leonin เขาพร้อมใจสไตล์นี้กับวัดdiscantทางเดินซึ่งใช้โหมดจังหวะเพื่อสร้างสุดยอดของorganumองค์ประกอบ ขั้นสุดท้ายของออร์กานัมบางครั้งเรียกว่าโรงเรียนโนเทรอดามแห่งพฤกษ์เนื่องจากเป็นที่ที่Léonin (และนักเรียนของเขาPérotin ) ประจำอยู่ นอกจากนี้ชนิดของพฤกษ์นี้ได้รับอิทธิพลรูปแบบที่ตามมาทั้งหมดด้วยจำพวกโพลีโฟนิภายหลัง motets เริ่มต้นเป็นคำอุปมาของที่มีอยู่ Notre Dame organums

องค์ประกอบที่สำคัญอีกประการหนึ่งของทฤษฎีดนตรีในยุคกลางคือระบบที่มีการจัดเรียงสนามและทำความเข้าใจ ในช่วงยุคกลางนี้การจัดระบบของชุดของขั้นตอนทั้งหมดและขั้นตอนครึ่งสิ่งที่ตอนนี้เราเรียกว่าขนาดเป็นที่รู้จักกันเป็นโหมด [ ต้องการอ้างอิง ]ระบบโมดอลทำงานเหมือนตาชั่งในปัจจุบันถึงขนาดที่ว่ามันให้กฎเกณฑ์และเนื้อหาสำหรับการเขียนไพเราะ แปดโหมดคริสตจักรคือ: Dorian , Hypodorian , Phrygian , Hypophrygian , Lydian , Hypolydian , MixolydianและHypomixolydian มากข้อมูลเกี่ยวกับโหมดเหล่านี้เช่นเดียวกับโปรแกรมการปฏิบัติของพวกเขาได้รับการประมวลผลในศตวรรษที่ 11 โดยนักทฤษฎีโยฮันเน Afflighemensis ในการทำงานของเขาอธิบายสามกำหนดองค์ประกอบแต่ละโหมด: สุดท้าย (หรือfinalis) , เสียงท่อง ( อายุหรือconfinalis ) และช่วง (หรือambitus ) finalisเป็นเสียงที่ทำหน้าที่เป็นจุดโฟกัสสำหรับโหมดและเป็นชื่อแนะนำมักจะใช้เป็นเสียงสุดท้าย โทนเสียงท่องคือโทนที่ทำหน้าที่เป็นจุดโฟกัสหลักในทำนองเพลง (โดยเฉพาะภายใน) โดยทั่วไปแล้วจะเป็นโทนที่ซ้ำกันบ่อยที่สุดในชิ้นส่วนและในที่สุดช่วงจะกำหนดโทนเสียงบนและเสียงต่ำสำหรับโหมดที่กำหนด แปดโหมดสามารถแบ่งออกได้อีกเป็นสี่ประเภทตามขั้นสุดท้าย ( Finalis )

นักทฤษฎีในยุคกลางเรียกคู่เหล่านี้ว่าmaneriaeและติดป้ายกำกับตามหมายเลขลำดับของกรีก โหมดเหล่านั้นที่มี d, e, f และ g เป็นขั้นสุดท้ายจะถูกใส่ไว้ในกลุ่มprotus , deuterus , tritusและtetrardusตามลำดับ เหล่านี้สามารถแบ่งออกได้อีกโดยขึ้นอยู่กับว่าโหมดนั้นเป็น "ของแท้" หรือ "plagal" ความแตกต่างเหล่านี้เกี่ยวข้องกับช่วงของโหมดที่สัมพันธ์กับขั้นสุดท้าย โหมดของแท้มีช่วงที่เกี่ยวกับอ็อกเทฟ (อนุญาตให้ใช้หนึ่งโทนด้านบนหรือด้านล่าง) และเริ่มต้นในขั้นสุดท้ายในขณะที่โหมด plagal ในขณะที่ยังคงครอบคลุมเกี่ยวกับอ็อกเทฟให้เริ่มต้นที่สี่ที่สมบูรณ์แบบด้านล่างของแท้ อีกแง่มุมหนึ่งที่น่าสนใจของระบบโมดอลคือค่าเผื่อสากลสำหรับการเปลี่ยน B ♮เป็น B ♭ไม่ว่าจะอยู่ในโหมดใดก็ตาม [ จำเป็นต้องตรวจสอบ ]การรวมโทนเสียงนี้มีประโยชน์หลายประการ แต่สิ่งที่ดูเหมือนธรรมดาโดยเฉพาะคือเพื่อหลีกเลี่ยงปัญหาด้านความไพเราะที่เกิดจากทริโทนอีกครั้ง

โหมดของสงฆ์เหล่านี้แม้ว่าจะมีชื่อภาษากรีก แต่ก็มีความสัมพันธ์เพียงเล็กน้อยกับโหมดที่นักทฤษฎีกรีกกำหนดไว้ แต่คำศัพท์ส่วนใหญ่ดูเหมือนจะเป็นการยักยอกในส่วนของนักทฤษฎีในยุคกลางแม้ว่าโหมดคริสตจักรจะไม่มีความสัมพันธ์กับโหมดกรีกโบราณ แต่คำศัพท์ภาษากรีกที่มีมากเกินไปชี้ให้เห็นถึงจุดเริ่มต้นที่น่าสนใจในท่วงทำนองพิธีกรรม ของประเพณีไบแซนไทน์ ระบบนี้เรียกว่าoctoechosและยังแบ่งออกเป็นแปดประเภทที่เรียกว่าechoi

สำหรับนักทฤษฎีดนตรียุคกลางที่เฉพาะเจาะจงโปรดดูที่Isidore of Seville , Aurelian of Réôme , Odo of Cluny , Guido of Arezzo , Hermannus Contractus , Johannes Cotto (Johannes Afflighemensis), Johannes de Muris , Franco of Cologne , Johannes de Garlandia (Johannes Gallicus) , ไม่ประสงค์ออกนาม IV , Marchetto ดาปาโดวา (Marchettus ปาดัว), ฌาคส์เจ้า , โยฮันเนเดอ Grocheo , เพตรัสเดอครูซ (Pierre de la Croix) และฟิลิปป์เดอ Vitry

ประเพณีสวดมนต์ในช่วงต้น

Chant (หรือที่ราบซอง ) เป็นรูปแบบโมโนโฟนิกศักดิ์สิทธิ์ (ทำนองเพลงเดี่ยวที่ไม่มีผู้ใช้) ซึ่งแสดงถึงเพลงที่รู้จักกันมากที่สุดในคริสตจักรคริสเตียน บทสวดพัฒนาแยกกันในหลายศูนย์ในยุโรป แม้ว่าสิ่งที่สำคัญที่สุดคือโรม , สเปน , กอล , มิลานและไอร์แลนด์ , มีคนอื่น ๆ เช่นกัน รูปแบบเหล่านี้ได้รับการพัฒนาขึ้นเพื่อรองรับพิธีกรรมประจำภูมิภาคที่ใช้ในการเฉลิมฉลองพิธีมิสซาที่นั่น แต่ละพื้นที่ได้พัฒนาบทสวดและกฎสำหรับการเฉลิมฉลองของตนเอง ในประเทศสเปนและโปรตุเกส , สวดมนต์ซาราบิคถูกนำมาใช้และแสดงให้เห็นอิทธิพลของเพลงแอฟริกาเหนือ การสวดโมซาราบิกยังคงอยู่รอดผ่านการปกครองของชาวมุสลิมแม้ว่านี่จะเป็นสิ่งที่โดดเดี่ยวและดนตรีนี้ถูกระงับในภายหลังเพื่อพยายามบังคับให้เป็นไปตามการสวดทั้งหมด ในมิลานเพลง Ambrosianซึ่งตั้งชื่อตามSt.Ambroseเป็นมาตรฐานในขณะที่เพลง Beneventanพัฒนาขึ้นรอบ ๆBeneventoซึ่งเป็นศูนย์พิธีกรรมทางศาสนาของอิตาลีอีกแห่งหนึ่ง บทสวด Gallicanใช้ในกอลและบทสวดแบบเซลติกในไอร์แลนด์และบริเตนใหญ่

ประมาณปีคริสตศักราช 1011 คริสตจักรนิกายโรมันคา ธ อลิกต้องการสร้างมาตรฐานของพิธีมิสซาและสวดมนต์ข้ามอาณาจักร ในเวลานี้โรมเป็นศูนย์กลางทางศาสนาของยุโรปตะวันตกและปารีสเป็นศูนย์กลางทางการเมือง ความพยายามในการสร้างมาตรฐานส่วนใหญ่ประกอบด้วยการรวมพิธีกรรมทั้งสองภูมิภาค( โรมันและกัลลิกัน ) เข้าด้วยกัน สมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 (540–604) และชาร์เลอมาญ (742–814) ส่งนักร้องที่ได้รับการฝึกฝนไปทั่วจักรวรรดิโรมันอันศักดิ์สิทธิ์ (800 | 962–1806) เพื่อสอนบทสวดรูปแบบใหม่นี้ [48]บทสวดนี้เป็นที่รู้จักกันในชื่อเกรกอเรียนชานท์ซึ่งตั้งชื่อตามสมเด็จพระสันตปาปาเกรกอรี เมื่อถึงศตวรรษที่ 12 และ 13 บทสวดแบบเกรกอเรียนได้เข้ามาแทนที่ประเพณีการสวดมนต์แบบตะวันตกอื่น ๆ ทั้งหมดยกเว้นบทสวด Ambrosian ในมิลานและบทสวดโมซาราบิกในวิหารของสเปนที่กำหนดไว้เป็นพิเศษ Hildegard von Bingen (1098–1179) เป็นนักแต่งเพลงหญิงคนแรกที่เป็นที่รู้จักมากที่สุด เธอเขียนงานโมโนโฟนิกหลายชิ้นให้กับคริสตจักรคาทอลิกเกือบทั้งหมดเป็นเสียงผู้หญิง

พฤกษ์ต้น: organum

ประมาณปลายศตวรรษที่ 9 นักร้องในอารามเช่นเซนต์กัลล์ในสวิตเซอร์แลนด์เริ่มทดลองเพิ่มอีกส่วนหนึ่งในบทสวดโดยทั่วไปเป็นเสียงในการเคลื่อนไหวขนานกันโดยส่วนใหญ่จะร้องเพลงในจังหวะที่สี่หรือห้าเหนือเสียงต้นฉบับ (ดูช่วงเวลา ) . การพัฒนานี้เรียกว่าorganumและเป็นจุดเริ่มต้นของความแตกต่างและในที่สุดความสามัคคี [49]ในอีกหลายศตวรรษต่อมาออร์แกนิมได้รับการพัฒนาในหลาย ๆ ด้าน

พัฒนาการที่สำคัญที่สุดคือการสร้าง "ฟลอริดออร์แกน" เมื่อประมาณปี ค.ศ. 1100 ซึ่งบางครั้งรู้จักกันในชื่อโรงเรียนเซนต์การต่อสู้ (ตั้งชื่อตามอารามทางตอนใต้ของฝรั่งเศสซึ่งมีต้นฉบับที่เก็บรักษาไว้อย่างดีที่สุดของละครเรื่องนี้) ใน "florid organum" เพลงต้นฉบับจะร้องเป็นโน้ตยาว ๆ ในขณะที่เสียงประกอบจะร้องหลายโน้ตให้กับเพลงต้นฉบับแต่ละเพลงซึ่งมักจะมีความซับซ้อนสูงในขณะเดียวกันก็เน้นเสียงพยัญชนะที่สมบูรณ์แบบ(สี่ห้าและอ็อกเทฟ) เช่นเดียวกับในอวัยวะก่อนหน้านี้ พัฒนาการของออแกนนัมในเวลาต่อมาเกิดขึ้นในอังกฤษซึ่งช่วงที่สามเป็นที่ชื่นชอบเป็นพิเศษและออร์กาน่ามีแนวโน้มที่จะปรับแต่งให้เข้ากับทำนองเพลงที่มีอยู่และที่Notre Dameในปารีสซึ่งจะเป็นศูนย์กลางของกิจกรรมสร้างสรรค์ทางดนตรีตลอดช่วงทศวรรษที่สิบสาม ศตวรรษ.

มากของเพลงจากยุคต้นคือที่ไม่ระบุชื่อ บางชื่ออาจเป็นกวีและนักเขียนเนื้อเพลงและเพลงที่พวกเขาเขียนคำอาจแต่งโดยผู้อื่น การแสดงที่มาของดนตรีแบบโมโนโฟนิกในยุคกลางไม่น่าเชื่อถือเสมอไป Surviving ต้นฉบับจากช่วงเวลานี้รวมถึงMusica Enchiriadis , Codex CalixtinusของSantiago de Compostelaที่แมกนัส Liberและวินเชสเตอร์ Troper สำหรับข้อมูลเกี่ยวกับนักประพันธ์เพลงที่เฉพาะเจาะจงหรือกวีเขียนในช่วงยุคต้นดูที่สมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรี่ฉัน , เซนต์ก็อดดริก , Hildegard ของ Bingen , ฮัคบัลด์ , Notker Balbulus , โอโดอาเรสโซ , โอโดนีและTutilo

ละครเรื่อง Liturgical

อีกประเพณีดนตรีของยุโรปที่มีต้นกำเนิดในช่วงต้นยุคกลางเป็นละครพิธีกรรม

การแสดงละครเวทีอาจพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 10 จาก Tropes - การปรุงแต่งบทกวีของตำรา liturgical หนึ่งใน tropes ที่เรียกว่า Quem Quaeritis ซึ่งเป็นของพิธีสวดในเช้าวันอีสเตอร์พัฒนาเป็นบทละครสั้น ๆ ในราวปี ค.ศ. 950 [50]แหล่งข้อมูลที่เป็นลายลักษณ์อักษรที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังมีชีวิตอยู่คือ Winchester Troper ประมาณปี 1000 มีการร้องกันอย่างแพร่หลายในยุโรปเหนือ [51] [การตรวจสอบล้มเหลว ]

ในไม่ช้า[ ต้องมีการชี้แจง ]การเล่นคริสต์มาสที่คล้ายกันก็ได้รับการพัฒนาดนตรีและข้อความตามเทศกาลอีสเตอร์และการเล่นอื่น ๆ ตามมา

มีการถกเถียงกันในหมู่นักดนตรีเกี่ยวกับการบรรเลงประกอบของบทละครดังกล่าวเนื่องจากทิศทางบนเวทีมีความซับซ้อนและแม่นยำในแง่อื่น ๆ ไม่ขอให้มีส่วนร่วมของเครื่องดนตรีใด ๆ [ ต้องการอ้างอิง ]ละครเหล่านี้แสดงโดยพระภิกษุแม่ชีและนักบวช [ ต้องการอ้างอิง ]ตรงกันข้ามกับบทละครทางโลกที่มีการพูดกันละครพิธีกรรมมักจะร้องเสมอ [ ต้องการอ้างอิง ]หลายรายการได้รับการอนุรักษ์ไว้อย่างเพียงพอเพื่อให้มีการสร้างใหม่และการแสดงที่ทันสมัย ​​(เช่นPlay of Danielซึ่งเพิ่งได้รับการบันทึกอย่างน้อยสิบครั้ง)

Goliards

Goliardsเป็นกวีธุดงค์ -musicians ของยุโรปจากสิบไปตรงกลางของศตวรรษที่สิบสาม ส่วนใหญ่เป็นนักวิชาการหรือนักบวชและพวกเขาเขียนและร้องเพลงเป็นภาษาละติน แม้ว่าหลายบทกวีจะรอดชีวิตมาได้ แต่มีดนตรีน้อยมาก พวกเขาอาจจะมีอิทธิพลแม้เด็ดขาดดังนั้นในนักร้อง - trouvèreประเพณีซึ่งเป็นที่จะปฏิบัติตาม กวีนิพนธ์ของพวกเขาส่วนใหญ่เป็นบทกวีทางโลกและในขณะที่เพลงบางเพลงเฉลิมฉลองอุดมการณ์ทางศาสนา แต่เพลงอื่น ๆ ก็ดูหมิ่นอย่างตรงไปตรงมาเกี่ยวกับการเมาสุราการมึนเมาและการเลเชอร์ หนึ่งในแหล่งที่ยังหลงเหลืออยู่มากที่สุดที่สำคัญของเนื้อร้อง Goliards เป็นCarmina บูรณะ [52]

Ars antiqua

นักดนตรีเล่นไวฮูเอลาของสเปน คนหนึ่งถือธนูอีกคนดึงด้วยมือใน Cantigas de Santa Mariaแห่ง Alfonso X of Castileศตวรรษที่ 13

ผู้ชายเล่น organistrumจาก วิหาร Ourenseสเปนศตวรรษที่ 12

การออกดอกของโรงเรียนพฤกษ์ศาสตร์แห่งนอเทรอดามในช่วงประมาณปี ค.ศ. 1150 ถึง ค.ศ. 1250 สอดคล้องกับความสำเร็จที่น่าประทับใจไม่แพ้กันในสถาปัตยกรรมแบบโกธิก : ศูนย์กลางของกิจกรรมอยู่ที่มหาวิหารนอเทรอดามนั่นเอง บางครั้งเพลงของช่วงเวลานี้เรียกว่าโรงเรียนของกรุงปารีสหรือ organum ปารีสและเป็นจุดเริ่มต้นของสิ่งที่เป็นที่รู้จักกันตามอัตภาพเป็นArs Antiqua นี่คือช่วงเวลาที่จังหวะโน้ตปรากฏตัวครั้งแรกในดนตรีตะวันตกส่วนใหญ่เป็นวิธีบริบทตามสัญกรณ์จังหวะที่รู้จักกันเป็นโหมดจังหวะ

นี่เป็นช่วงเวลาที่มีการพัฒนาแนวคิดเกี่ยวกับโครงสร้างที่เป็นทางการซึ่งให้ความสำคัญกับสัดส่วนพื้นผิวและผลทางสถาปัตยกรรม นักแต่งเพลงของช่วงเวลาที่สลับกันของฟลอริดและออร์แกนิกที่แตกต่างกัน (โน้ตต่อโน้ตมากกว่าเมื่อเทียบกับการต่อเนื่องของโน้ตหลายตัวเทียบกับโน้ตที่ถือมานานซึ่งพบในประเภทฟลอริด ) และสร้างรูปแบบดนตรีใหม่หลายรูปแบบ: คลอซูเลซึ่งเป็นmelismaticในส่วนของ Organa สกัดและพอดีกับคำศัพท์ใหม่และดนตรีรายละเอียดเพิ่มเติม; conductusซึ่งเป็นเพลงสำหรับหนึ่งเสียงหรือมากกว่าที่จะร้องเป็นจังหวะส่วนใหญ่มักจะอยู่ในขบวนบางประเภท; และtropesซึ่งเป็นการเพิ่มคำใหม่และบางครั้งก็มีดนตรีใหม่ในส่วนของบทสวดเก่า ๆ ประเภททั้งหมดนี้บันทึกหนึ่งขึ้นอยู่กับการสวดมนต์; นั่นคือหนึ่งในเสียง (โดยปกติจะเป็นสามแม้ว่าบางครั้งจะสี่) เกือบจะต่ำที่สุด (อายุ ณ จุดนี้) ร้องเพลงท่วงทำนองการสวดมนต์แม้ว่าจะมีความยาวโน้ตที่แต่งขึ้นอย่างอิสระซึ่งอีกเสียงหนึ่งก็ร้องเพลงออร์แกนิก ข้อยกเว้นสำหรับวิธีนี้คือ conductus ซึ่งเป็นองค์ประกอบสองเสียงที่ประกอบขึ้นอย่างอิสระทั้งหมด [ ต้องการอ้างอิง ]

เต็ต , มากที่สุดแห่งหนึ่งในรูปแบบดนตรีที่สำคัญของยุคกลางสูงและศิลปวิทยาการพัฒนาครั้งแรกในช่วงระยะเวลา Notre Dame จาก clausula โดยเฉพาะอย่างยิ่งรูปแบบโดยใช้เสียงหลายคนเป็นเนื้อหาโดยเพโรตินที่ปูทางสำหรับการนี้โดยเฉพาะอย่างยิ่งการเปลี่ยน บรรพบุรุษของเขาหลายคน (เช่นเดียวกับศีลของมหาวิหาร) Clausulaeดอกไม้ที่มีความยาวของLéoninพร้อมสิ่งทดแทนในรูปแบบที่ไม่ลงรอยกัน ค่อยๆมีหนังสือทั้งหมดของสิ่งทดแทนเหล่านี้พร้อมที่จะติดตั้งเข้าและออกจากบทสวดต่างๆ เนื่องจากในความเป็นจริงมีการใช้งานในบริบทมากเกินความเป็นไปได้จึงเป็นไปได้ว่า clausulae จะดำเนินการอย่างอิสระไม่ว่าจะในส่วนอื่น ๆ ของมวลหรือในการอุทิศส่วนตัว clausula ปฏิบัติจึงกลายเต็ตเมื่อ troped ด้วยคำพูดที่ไม่ใช่พิธีกรรมและนี้ได้รับการพัฒนาต่อไปในรูปแบบของรายละเอียดที่ดี, ความซับซ้อนและละเอียดอ่อนในศตวรรษที่สิบสี่ระยะเวลาของการที่อาร์โนวา Surviving ต้นฉบับจากยุคนี้ ได้แก่Montpellier Codex , แบมเบิร์ก Codexและลาส Huelgas Codex

นักแต่งเพลงในครั้งนี้ ได้แก่Léonin , Pérotin , W. de Wycombe , Adam de St. VictorและPetrus de Cruce (Pierre de la Croix) Petrus ให้เครดิตกับนวัตกรรมการเขียนเซมิเบรฟมากกว่าสามตัวเพื่อให้พอดีกับความยาวของสันเขา มาก่อนที่จะมีนวัตกรรมของอุณหภูมิที่ไม่สมบูรณ์แนวปฏิบัตินี้เปิดตัวในยุคของสิ่งที่เรียกว่า motets "Petronian" ในปัจจุบัน ผลงานในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 เหล่านี้แบ่งออกเป็นสามถึงสี่ส่วนและมีหลายข้อความที่ร้องพร้อมกัน ในขั้นต้นเส้นอายุ (มาจากภาษาละตินtenere "to hold") ถือสายการสวดมนต์ก่อนหน้านี้ในภาษาละตินดั้งเดิมในขณะที่ข้อความของเสียงหนึ่งสองหรือสามเสียงข้างต้นเรียกว่าvoces organalesให้ความเห็นเกี่ยวกับ หัวข้อ liturgical ไม่ว่าจะเป็นภาษาละตินหรือในภาษาฝรั่งเศส ค่าจังหวะของorganales Vocesลดลงตามส่วนคูณกับduplum (ส่วนข้างต้นอายุ) ที่มีค่าจังหวะขนาดเล็กกว่าอายุที่triplum (สายดังกล่าวข้างต้นduplum ) มีค่าจังหวะขนาดเล็กกว่าduplumและอื่น ๆ บน. เมื่อเวลาผ่านไปข้อความของออร์แกนเสียงก็กลายเป็นเรื่องทางโลกมากขึ้นและมีการเชื่อมต่อกับข้อความ liturgical ในแนวอายุน้อยลงเรื่อย ๆ

Petronian motet เป็นแนวเพลงที่มีความซับซ้อนสูงเนื่องจากมีการผสมผสานระหว่างเสียงดนตรีกึ่งเบรฟหลาย ๆ แบบที่มีโหมดจังหวะและบางครั้ง (ด้วยความถี่ที่เพิ่มขึ้น) จะแทนที่เพลงฆราวาสสำหรับการสวดมนต์ในช่วงอายุ ความซับซ้อนของจังหวะที่เพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ น่าจะเป็นลักษณะพื้นฐานของศตวรรษที่ 14 แม้ว่าดนตรีในฝรั่งเศสอิตาลีและอังกฤษจะใช้เส้นทางที่แตกต่างกันมากในช่วงเวลานั้น [ ต้องการอ้างอิง ]

Cantigas de Santa Maria

คริสเตียนและมุสลิม บรรเลงเพลงจิ๋วจาก Cantigas de Santa Mariaแห่ง Alfonso X

Cantigas de Santa Maria ( "เจื้อยแจ้วเซนต์แมรี่") เป็น 420 บทกวีกับโน้ตดนตรีที่เขียนในกาลิเซียโปรตุเกสในช่วงรัชสมัยของอัลฟองโซเอล Sabio (1221-1284) และมักจะนำมาประกอบกับเขา เป็นหนึ่งในคอลเลกชันเพลงโมโนโฟนิก (เดี่ยว) ที่ใหญ่ที่สุดจากยุคกลางและโดดเด่นด้วยการกล่าวถึงพระแม่มารีย์ในทุกเพลงในขณะที่ทุกเพลงที่สิบเป็นเพลงสวด ต้นฉบับจะมีชีวิตรอดในสี่ codices: สองEl Escorialหนึ่งที่อัลมาดริด 's ห้องสมุดแห่งชาติและเป็นหนึ่งในฟลอเรนซ์, อิตาลี บางห้องมีเพชรประดับหลากสีซึ่งแสดงให้เห็นนักดนตรีหลายคู่ที่เล่นเครื่องดนตรีประเภทต่างๆ

Troubadours, trouvèresและMinnesänger

เพลงของเร่และtrouvèresเป็นพื้นถิ่นประเพณีของเพลงฆราวาสโมโนโฟนิคอาจจะมาพร้อมกับเครื่องมือร้องโดยมืออาชีพเป็นครั้งคราวธุดงค์นักดนตรีที่มีฝีมือเป็นกวีที่พวกเขาร้องและ instrumentalists ภาษาของคณะคือภาษาอ็อกซิตัน (หรือที่เรียกว่าภาษากลางหรือภาษาโปรวองซ์); ภาษาของคณะเป็นภาษาฝรั่งเศสเก่า (หรือที่เรียกว่าlangue d'oil ) ช่วงเวลาของคณะละครตรงกับการผลิบานของชีวิตทางวัฒนธรรมในโพรวองซ์ซึ่งกินเวลาถึงศตวรรษที่สิบสองและในทศวรรษแรกของสิบสาม วิชาทั่วไปของเพลงร้องเป็นสงคราม , ความกล้าหาญและสง่างามความรักความรักของผู้หญิงที่เงียบสงบจากระยะไกล -The ช่วงเวลาของคณะละครจบลงหลังจากสงครามครูเสดอัลบิเกนเซียนการรณรงค์อย่างดุเดือดของสมเด็จพระสันตะปาปาอินโนเซนต์ที่ 3เพื่อกำจัดพวกนอกรีตของคาธาร์ (และความปรารถนาของคหบดีทางตอนเหนือที่จะปรับความมั่งคั่งทางใต้ให้เหมาะสม) คณะนักดนตรีที่รอดชีวิตเดินทางไปยังโปรตุเกสสเปนอิตาลีทางตอนเหนือหรือทางตอนเหนือของฝรั่งเศส (ซึ่งประเพณีของคณะละครอาศัยอยู่) ซึ่งทักษะและเทคนิคของพวกเขามีส่วนในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีฆราวาสในสถานที่เหล่านั้นในเวลาต่อมา [48]

คณะละครและคณะมีสไตล์ดนตรีที่คล้ายกัน แต่โดยทั่วไปแล้วคณะละครจะเป็นขุนนาง [48]ดนตรีของคณะละครก็คล้ายกับคณะละคร แต่ก็สามารถดำรงอยู่ได้ในศตวรรษที่สิบสามโดยไม่ได้รับผลกระทบจากสงครามครูเสดอัลบิเกนเซียน เพลงของคณะละครที่ยังมีชีวิตอยู่มากกว่าสองพันเพลงรวมถึงดนตรีและแสดงให้เห็นถึงความซับซ้อนที่ยอดเยี่ยมเช่นเดียวกับบทกวีที่มาพร้อมกับบทกวี [ ต้องการอ้างอิง ]

Minnesängerประเพณีเป็นภาษาเยอรมันคู่กับกิจกรรมของเร่และtrouvèresไปทางทิศตะวันตก น่าเสียดายที่มีเพียงไม่กี่แหล่งที่อยู่รอดมาได้ในเวลานั้น แหล่งที่มาของ Minnesang ส่วนใหญ่มาจากสองหรือสามศตวรรษหลังจากจุดสูงสุดของการเคลื่อนไหวซึ่งนำไปสู่การโต้เถียงเกี่ยวกับความถูกต้องของแหล่งข้อมูลเหล่านี้ ในหมู่Minnesängersที่มีชีวิตรอดเพลงวุลแฟรมฟอน Eschenbach , วอลเธอร์ฟอนเด VogelweideและNiedhart ฟอน Reuenthal

Trovadorismo

ในยุคกลางภาษากาลิเซีย - โปรตุเกสเป็นภาษาที่ใช้ในเกือบทั้งหมดของไอบีเรียสำหรับบทกวีเนื้อร้อง [55]จากภาษานี้มีทั้งภาษากาลิเซียและโปรตุเกสในปัจจุบัน โรงเรียนชาวกาลิเซีย - โปรตุเกสซึ่งได้รับอิทธิพลในระดับหนึ่ง (ส่วนใหญ่เป็นทางการบางประการ) โดยคณะนักดนตรีชาวอ็อกซิตันได้รับการบันทึกเป็นครั้งแรกในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบสองและใช้เวลาจนถึงกลางทศวรรษที่สิบสี่

องค์ประกอบที่เก่าแก่ที่สุดในโรงเรียนนี้มักตกลงกันว่าจะเป็น Ora faz ost 'o senhor de Navarra โดยJoão Soares de Paiva ชาวโปรตุเกสซึ่งมักจะลงวันที่ก่อนหรือหลังปี 1200 คณะของการเคลื่อนไหวเพื่อไม่ให้สับสนกับคณะชาวอ็อกซิตัน (ผู้ซึ่งแวะเวียนไปที่ศาลในLeónและ Castile ที่อยู่ใกล้เคียง) เขียน Cantigas เกือบทั้งหมด น่าจะเริ่มต้นประมาณกลางศตวรรษที่สิบสามเพลงเหล่านี้หรือที่เรียกว่าแคนตาเรสหรือโทรวาสเริ่มถูกรวบรวมในคอลเลกชันที่เรียกว่าแคนซิโอนีรอส (หนังสือเพลง) เป็นที่รู้จักกันในนามของกวีนิพนธ์สามเรื่อง ได้แก่ Cancioneiro da Ajuda, Cancioneiro Colocci-Brancuti (หรือ Cancioneiro da Biblioteca Nacional de Lisboa) และ Cancioneiro da Vaticana นอกจากนี้ยังมีคอลเลกชันอันล้ำค่าของแคนติกาโปรตุเกส - โปรตุเกสกว่า 400 ชิ้นใน Cantigas de Santa Maria ซึ่งเป็นประเพณีของ Alfonso X

แคนติกัส - โปรตุเกสสามารถแบ่งออกเป็นสามประเภทพื้นฐาน: กวีนิพนธ์รักที่เปล่งออกมาของผู้ชายเรียกว่าแคนติกัสเดอโมร์ (หรือแคนติกัสดามอร์) กวีนิพนธ์รักที่เปล่งออกมาของผู้หญิงเรียกว่าแคนติกัสเดอมิโก (cantigas d'amigo); และบทกวีดูถูกและเยาะเย้ยที่เรียกว่า cantigas d'escarnho e de mal dizer ทั้งสามเพลงเป็นแนวเพลงในเชิงเทคนิคว่าเป็นเพลงที่มีดนตรีประกอบหรือมีการแนะนำเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสาย แต่ทั้งสามประเภทยังมีองค์ประกอบที่น่าทึ่งซึ่งทำให้นักวิชาการรุ่นแรก ๆ สามารถกำหนดลักษณะของพวกเขาได้ว่าเป็นบทกวีที่น่าทึ่ง

ต้นกำเนิดของ Cantigas d'amor มักจะโยงไปถึงกวีนิพนธ์ภาษาฝรั่งเศสแบบProvençalและ Old French แต่มีความแตกต่างกันอย่างเป็นทางการและเชิงโวหาร Cantigas d'amigo อาจมีรากฐานมาจากประเพณีเพลงพื้นเมือง[[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]="this_citation_requires_a_reference_to_the_specific_page_or_range_of_pages_in_which_the_material_appears. (august_2016)">]_56-0" class="reference">[56]แม้ว่ามุมมองนี้จะได้รับการโต้แย้ง Cantigas d'escarnho e maldizer อาจมีรากลึกในท้องถิ่น สองประเภทหลัง (รวมประมาณ 900 ข้อความ) ทำให้เนื้อเพลงของกาลิเซีย - โปรตุเกสมีเอกลักษณ์เฉพาะในภาพพาโนรามาทั้งหมดของกวีนิพนธ์โรแมนติกยุคกลาง

• Aimeric de Belenoi
• Aimeric de Peguilhan
• Airas Nunes
• Albertet de Sestaro
• Arnaut Daniel
• Arnaut de Maruoill
• Beatritz de Dia
• Berenguier de Palazol
• Bernart de Ventadorn
• เบอร์ทรานเดอเกิด
• Blacasset
• นักเรียนนายร้อย

• Daude de Pradas
• เดนิสแห่งโปรตุเกส
• Folquet de Marselha
• Gaucelm Faidit
• Gui d'Ussel
• Guilhem Ademar
• Guilhem Augier Novella
• Guilhem Magret
• Guilhem de Saint Leidier
• Guiraut de Bornelh
• Guiraut d'Espanha

• Guiraut Riquier
• Jaufre Rudel
• João Soares de Paiva
• João Zorro
• จอร์แดน Bonel
• Marcabru
• Martín Codax
• Monge de Montaudon
• Peire d'Alvernhe
• Peire Cardenal
• Peire Raimon de Tolosa
• Peire Vidal
• Peirol
• เปอร์ดิแกน

• Pistoleta
• Pons d'Ortaffa
• Pons de Capduoill
• Raimbaut d'Aurenga
• Raimbaut de Vaqueiras
• ไรมอนจอร์แดน
• Raimon de Miraval
• Rigaut de Berbezilh
• Uc Brunet
• Uc de Saint Circ
• วิลเลียมทรงเครื่องแห่งอากีแตน

ฝรั่งเศส: Ars nova

ในภาพประกอบจากคอลเลกชันเพลงและบทกวีที่เสียดสี Roman de Fauvelม้า Fauvel กำลังจะเข้าร่วม Vainglory บนเตียงเจ้าสาวและผู้คนก็รวมตัวกันเป็น ชารีฟในการประท้วง

จุดเริ่มต้นของArs novaเป็นหนึ่งในการแบ่งตามลำดับเวลาที่ชัดเจนในดนตรียุคกลางเนื่องจากสอดคล้องกับการตีพิมพ์ของRoman de Fauvelซึ่งเป็นบทกวีและดนตรีจำนวนมากในปี 1310 และ 1314 Roman de Fauvelเป็นคำเสียดสี เกี่ยวกับการละเมิดในคริสตจักรยุคกลางและเต็มไปด้วย motets ในยุคกลางlais , rondeauxและรูปแบบทางโลกใหม่อื่น ๆ แม้ว่าดนตรีส่วนใหญ่จะไม่ระบุชื่อ แต่ก็มีหลายชิ้นโดยPhilippe de Vitryซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ประพันธ์เพลงIsorhythmic Motetซึ่งเป็นผู้พัฒนาเพลงแรกในศตวรรษที่สิบสี่ จังหวะไอโซริธึมได้รับการปรับปรุงโดยGuillaume de Machautนักแต่งเพลงที่ดีที่สุดในยุคนั้น

ในช่วงยุคArs novaดนตรีฆราวาสได้รับความซับซ้อนแบบโพลีโฟนิกซึ่งก่อนหน้านี้พบเฉพาะในดนตรีศักดิ์สิทธิ์การพัฒนาที่ไม่น่าแปลกใจเมื่อพิจารณาถึงลักษณะทางโลกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น (ในขณะที่ดนตรีนี้โดยทั่วไปถือว่าเป็น "ยุคกลาง" กองกำลังทางสังคมที่ผลิตมันมีหน้าที่รับผิดชอบ สำหรับจุดเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการวรรณกรรมและศิลปะในอิตาลีความแตกต่างระหว่างยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นเรื่องที่ไม่ชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพิจารณาถึงศิลปะที่แตกต่างกันเช่นดนตรีและภาพวาด) คำว่า " Ars nova " (ศิลปะใหม่หรือเทคนิคใหม่) ได้รับการประกาศเกียรติคุณโดย Philippe de Vitry ในหนังสือชื่อนั้น (อาจเขียนในปี 1322) เพื่อแยกความแตกต่างของการปฏิบัติออกจากดนตรีในยุคก่อนหน้า

ประเภทฆราวาสที่โดดเด่นของ Ars Nova คือChansonเนื่องจากจะยังคงอยู่ในฝรั่งเศสต่อไปอีกสองศตวรรษ เนื้อร้องเหล่านี้ถูกแต่งขึ้นในรูปแบบดนตรีที่สอดคล้องกับบทกวีที่พวกเขาตั้งซึ่งอยู่ในที่เรียกว่าformes แก้ไขของบทกวี , Balladeและvirelai รูปแบบเหล่านี้ส่งผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อการพัฒนาโครงสร้างดนตรีในรูปแบบที่รู้สึกได้ในปัจจุบัน ตัวอย่างเช่นรูปแบบคำคล้องจองouvert-closed ที่ใช้ร่วมกันโดยทั้งสามคนเรียกร้องการสำนึกทางดนตรีซึ่งมีส่วนโดยตรงต่อแนวคิดสมัยใหม่ของวลีก่อนหน้าและวลีที่ตามมา ในช่วงเวลานี้เองที่เริ่มมีประเพณีอันยาวนานในการกำหนดมวลชนให้เป็นปกติ ประเพณีนี้เริ่มต้นเมื่อประมาณกลางศตวรรษที่มีการตั้งค่าที่แยกหรือจับคู่ของ Kyries, Glorias ฯลฯ แต่Machaut ได้รวบรวมสิ่งที่คิดว่าเป็นมวลที่สมบูรณ์แบบแรกที่คิดว่าเป็นองค์ประกอบเดียว โลกแห่งเสียงของดนตรี Ars Nova เป็นหนึ่งในความเป็นเอกภาพเชิงเส้นและความซับซ้อนของจังหวะ ช่วงเวลา "พักผ่อน" คือช่วงที่ห้าและแปดโดยที่สามและหกถือว่าไม่สอดคล้องกัน การกระโดดมากกว่าหนึ่งในหกของเสียงส่วนบุคคลไม่ใช่เรื่องแปลกซึ่งนำไปสู่การคาดเดาถึงการมีส่วนร่วมของเครื่องมืออย่างน้อยก็ในผลงานทางโลก Surviving ต้นฉบับภาษาฝรั่งเศสรวมถึงIvrea Codexและพาร์ทเมนต์ Codex

สำหรับข้อมูลเกี่ยวกับนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสโดยเฉพาะการเขียนในช่วงปลายยุคพุทธกาลดูเจฮานเดอเลสค วเรล , ฟิลิปป์เดอ Vitry , กิลโลมเดอแมชาต์ , บอร์เล็ต , SolageและFrançois Andrieu

อิตาลี: Trecento

ดนตรีส่วนใหญ่ของArs novaเป็นภาษาฝรั่งเศสโดยกำเนิด; อย่างไรก็ตามคำนี้มักใช้กับดนตรีทั้งหมดในศตวรรษที่สิบสี่โดยเฉพาะอย่างยิ่งรวมถึงดนตรีฆราวาสในอิตาลี มีช่วงเวลานี้มักจะถูกเรียกว่าTrecento ดนตรีอิตาเลียนเป็นที่รู้จักกันดีในเรื่องโคลงสั้น ๆ หรือไพเราะและย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 14 ในหลาย ๆ ด้าน เพลงฆราวาสของอิตาลีในเวลานี้ (เพลง liturgical ที่ยังมีชีวิตอยู่เพียงเล็กน้อยมีความคล้ายคลึงกับภาษาฝรั่งเศสยกเว้นสัญกรณ์ที่แตกต่างกันเล็กน้อย) นำเสนอสิ่งที่เรียกว่าสไตล์แคนตาลีนาพร้อมด้วยเสียงชั้นยอดที่ได้รับการสนับสนุนจากสองคน (หรือแม้แต่เพลงเดียว; ยุติธรรม จำนวนเพลง Trecento ของอิตาลีมีไว้สำหรับสองเสียงเท่านั้น) ซึ่งมีความสม่ำเสมอและเคลื่อนไหวช้ากว่า พื้นผิวประเภทนี้ยังคงเป็นคุณลักษณะของดนตรีอิตาลีในแนวเพลงฆราวาสที่ได้รับความนิยมในศตวรรษที่ 15 และ 16 เช่นกันและมีอิทธิพลสำคัญต่อการพัฒนาในที่สุดของพื้นผิวทั้งสามแบบที่ปฏิวัติดนตรีในปีที่ 17

มีสามรูปแบบหลักสำหรับงานฆราวาสใน Trecento คนหนึ่งคือมาดริกัลไม่เหมือนกับใน 150-250 ปีต่อมา แต่มีรูปแบบเหมือนกลอน / ละเว้น บทสามเส้นแต่ละคนมีคำพูดที่แตกต่างกันสลับกับสองบรรทัดRitornelloพร้อมด้วยข้อความเดียวกันในลักษณะแต่ละ บางทีเราอาจเห็นเมล็ดพันธุ์ของริทอร์เนลโลตอนปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและบาโรกในอุปกรณ์นี้ มันก็กลับมาซ้ำแล้วซ้ำเล่าจำได้ทุกครั้งตรงกันข้ามกับส่วนที่แตกต่างกันโดยรอบ อีกรูปแบบหนึ่งcaccia ("การไล่ล่า") ถูกเขียนขึ้นสำหรับสองเสียงในศีลที่พร้อมเพรียงกัน บางครั้งแบบฟอร์มนี้ยังมีรูปริทอร์เนลโลซึ่งบางครั้งก็อยู่ในรูปแบบคาโนนิก โดยปกติชื่อของประเภทนี้ให้ความหมายสองเท่าเนื่องจากตำราของ caccia ส่วนใหญ่เกี่ยวกับการล่าสัตว์และกิจกรรมกลางแจ้งที่เกี่ยวข้องหรืออย่างน้อยก็ฉากที่เต็มไปด้วยแอ็คชั่น รูปแบบหลักที่สามคือballataซึ่งเป็นประมาณเทียบเท่ากับฝรั่งเศสvirelai

Surviving ต้นฉบับอิตาลีรวมถึงSquarcialupi Codexและรอสซี Codex สำหรับข้อมูลเกี่ยวกับคีตกวีชาวอิตาลีที่เขียนในช่วงปลายยุคกลางโปรดดูFrancesco Landini , Gherardello da Firenze , Andrea da Firenze , Lorenzo da Firenze , Giovanni da Firenze (aka Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova , Jacopo da Bologna , Donato da Cascia , Lorenzo Masini , Niccolòดาเปรูเกียและเกจิ Piero

เยอรมนี: Geisslerlieder

Geisslerliederเป็นเพลงของวงดนตรีที่หลงของflagellantsที่พยายามที่จะเอาใจลงโทษของพระเจ้าโกรธโดยเพลงสำนึกผิดพร้อมด้วยอับอายของร่างกายของพวกเขา กิจกรรมของ Geisslerlied มีสองช่วงเวลาที่แยกจากกัน: ช่วงหนึ่งในช่วงกลางของศตวรรษที่สิบสามซึ่งน่าเสียดายที่ไม่มีเพลงอยู่รอด (แม้ว่าจะมีเนื้อเพลงมากมายก็ตาม); และอีกอย่างหนึ่งจากปี 1349 ซึ่งทั้งคำและดนตรียังคงอยู่อย่างสมบูรณ์เนื่องจากความสนใจของนักบวชคนเดียวที่เขียนเกี่ยวกับการเคลื่อนไหวและบันทึกเสียงดนตรี ช่วงเวลาที่สองนี้สอดคล้องกับการแพร่กระจายของBlack Deathในยุโรปและบันทึกเหตุการณ์ที่เลวร้ายที่สุดครั้งหนึ่งในประวัติศาสตร์ยุโรป กิจกรรม Geisslerlied ทั้งสองช่วงส่วนใหญ่อยู่ในเยอรมนี

Ars subtilior

Chanson Belle, Bonne, Sageโดย Baude Cordierซึ่งเป็น ชิ้นส่วนย่อยของArs ที่รวมอยู่ใน Chantilly Codex

ในฐานะที่เป็นมักจะเห็นในตอนท้ายของยุคดนตรีใด ๆ ในตอนท้ายของยุคพุทธกาลมีการทำเครื่องหมายโดยสไตล์ manneristic สูงที่รู้จักในฐานะArs subtilior ในบางกรณีนี่เป็นความพยายามที่จะผสมผสานสไตล์ฝรั่งเศสและอิตาลีเข้าด้วยกัน ดนตรีนี้มีสไตล์อย่างมากโดยมีความซับซ้อนของจังหวะซึ่งไม่ตรงกับศตวรรษที่ 20 ในความเป็นจริงไม่เพียง แต่ความซับซ้อนของจังหวะของละครเรื่องนี้ส่วนใหญ่ไม่มีใครเทียบได้เป็นเวลาห้าศตวรรษครึ่งด้วยการซิงโครไนซ์ที่รุนแรงการใช้กลอุบายของบุรุษและแม้แต่ตัวอย่างของaugenmusik (เช่น Chanson โดยBaude Cordier ที่เขียนด้วยต้นฉบับในรูปของ a heart) แต่เนื้อหาไพเราะของมันก็ค่อนข้างซับซ้อนเช่นกันโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการมีปฏิสัมพันธ์กับโครงสร้างจังหวะ การพูดคุยกันแล้วภายใต้ Ars Nova คือการปฏิบัติของ isorhythm ซึ่งยังคงพัฒนาต่อไปจนถึงช่วงปลายศตวรรษและในความเป็นจริงไม่ได้มีความซับซ้อนในระดับสูงสุดจนกระทั่งต้นศตวรรษที่ 15 แทนที่จะใช้เทคนิค isorhythmic ในหนึ่งหรือสองเสียงหรือแลกเปลี่ยนกันระหว่างเสียงผลงานบางชิ้นมีลักษณะเป็น isorhythmic ที่แพร่หลายซึ่งเทียบเคียงกับการเรียงลำดับแบบอินทิกรัลของศตวรรษที่ 20 ในการจัดลำดับองค์ประกอบจังหวะและวรรณยุกต์อย่างเป็นระบบ คำว่า "คำพูดที่ติดปาก" ถูกนำมาใช้โดยนักวิชาการต่อมาในขณะที่มันมักจะเป็นในการตอบสนองต่อการแสดงผลของความซับซ้อนการปฏิบัติเพื่อประโยชน์ของตัวเองซึ่งโรคภัยบางคนเขียนมีความรู้สึกที่ติดเชื้อsubtilior Ars

หนึ่งในแหล่งที่ยังหลงเหลืออยู่มากที่สุดที่สำคัญของเนื้อร้อง Ars Subtilior เป็นChantilly Codex สำหรับข้อมูลเกี่ยวกับนักประพันธ์เพลงที่เฉพาะเจาะจงในการเขียนเพลงอาร์ subtiliorสไตล์ดูแอน ธ เนลโลเดอ เคเซอร์ตา , Philippus เด Caserta (aka Philipoctus เด Caserta), โยฮันเนโคเนีย , มัตเตโอดาเปรูจา , Lorenzo da Firenze , แสยะ , เจคอบเซนเลเชสและเบาดคอร์เดียร์

การเปลี่ยนไปสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ต้นฉบับของ Mass Missa O Crux Lignumโดย Antoine Busnois (แคลิฟอร์เนีย 1450)

การแบ่งเขตการสิ้นสุดของยุคกลางและจุดเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยคำนึงถึงองค์ประกอบของดนตรีเป็นเรื่องยาก ในขณะที่ดนตรีในศตวรรษที่สิบสี่นั้นค่อนข้างชัดเจนในแนวความคิด แต่ดนตรีในช่วงต้นศตวรรษที่สิบห้ามักถูกคิดว่าเป็นของช่วงหัวเลี้ยวหัวต่อไม่เพียง แต่ยังคงรักษาอุดมคติบางประการของการสิ้นสุดของยุคกลางไว้ (เช่นประเภท ของการเขียนโพลีโฟนิกซึ่งส่วนต่าง ๆ มีความแตกต่างกันอย่างมากในแต่ละลักษณะเนื่องจากแต่ละส่วนมีฟังก์ชั่นพื้นผิวที่เฉพาะเจาะจง) แต่ยังแสดงลักษณะเฉพาะบางประการของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (เช่นรูปแบบที่เป็นสากลมากขึ้นซึ่งพัฒนาผ่านการแพร่กระจายของฝรั่งเศส - เฟลมิช นักดนตรีทั่วยุโรปและในแง่ของพื้นผิวความเท่าเทียมกันที่เพิ่มขึ้นของชิ้นส่วน) นักประวัติศาสตร์ดนตรีไม่เห็นด้วยกับการเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แต่นักประวัติศาสตร์ส่วนใหญ่ยอมรับว่าอังกฤษยังคงเป็นสังคมยุคกลางในช่วงต้นศตวรรษที่สิบห้า (ดูประเด็นการกำหนดช่วงเวลาของยุคกลาง) ในขณะที่ไม่มีฉันทามติ 1400 นั้นเป็นสัญลักษณ์ที่มีประโยชน์เพราะมันเป็นช่วงเวลาที่เรเนสซองเข้ามาเต็มแกว่งในอิตาลี [ ต้องการอ้างอิง ]

การพึ่งพาช่วงเวลาของช่วงที่สามเป็นความสอดคล้องกันเป็นหนึ่งในคุณสมบัติที่เด่นชัดที่สุดของการเปลี่ยนแปลงเข้าสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Polyphony ที่ใช้มาตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 มีความซับซ้อนมากขึ้นเรื่อย ๆ ด้วยเสียงที่เป็นอิสระอย่างมากตลอดศตวรรษที่ 14 กับJohn Dunstapleและนักแต่งเพลงชาวอังกฤษคนอื่น ๆ ส่วนหนึ่งผ่านเทคนิคท้องถิ่นของfaburden (กระบวนการที่ไม่เหมาะสมซึ่งทำนองเพลงสวดมนต์และส่วนที่เป็นลายลักษณ์อักษรส่วนใหญ่อยู่ในแนวขนานที่หกด้านบนนั้นได้รับการตกแต่งโดยหนึ่งในสี่ที่สมบูรณ์แบบด้านล่างหลังและต่อมาใช้เวลา ถือทวีปในฐานะ "fauxbordon") ช่วงที่สามปรากฏว่าเป็นการพัฒนาดนตรีที่สำคัญ ด้วยเหตุนี้Contenance Angloise ("สีหน้าภาษาอังกฤษ") เพลงของนักแต่งเพลงชาวอังกฤษจึงมักถูกมองว่าเป็นเพลงแรกที่ฟังดูแปลกประหลาดน้อยกว่าสำหรับผู้ชมในยุค 2000 ที่ไม่ได้รับการฝึกฝนในประวัติศาสตร์ดนตรี [ ต้องการอ้างอิง ]

แนวโน้มโวหารภาษาอังกฤษในเรื่องนี้ได้ผลและเริ่มมีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงชาวทวีปในช่วงต้นทศวรรษที่ 1420 ดังที่เห็นได้จากผลงานของหนุ่มDufayและอื่น ๆ ในขณะที่สงครามร้อยปีดำเนินต่อไปขุนนางอังกฤษกองทัพวิหารและผู้เกษียณอายุของพวกเขาดังนั้นนักแต่งเพลงบางคนจึงเดินทางไปฝรั่งเศสและแสดงดนตรีที่นั่น แน่นอนว่าต้องจำไว้ว่าส่วนที่อังกฤษควบคุมทางตอนเหนือของฝรั่งเศสในเวลานี้ ต้นฉบับภาษาอังกฤษ ได้แก่Worcester Fragments , Old St. Andrews Music Book, Old Hall Manuscriptและ Egerton Manuscript สำหรับข้อมูลเกี่ยวกับคีตกวีเฉพาะที่ถือเป็นการเปลี่ยนผ่านระหว่างยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโปรดดูZacara da Teramo , Paolo da Firenze , Giovanni Mazzuoli , Antonio da Cividale , Antonius Romanus , Bartolomeo da Bologna , Roy Henry , Arnold de Lantins , Leonel Powerและจอห์นดันสเตเปิล [ ต้องการอ้างอิง ]

นักแต่งเพลงรุ่นแรกจากโรงเรียนฝรั่งเศส - เฟลมิชแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือโยฮันเนสโอเคกเฮม (1410/1425 –1497) เขาเป็นสมาชิกที่มีชื่อเสียงมากที่สุดของโรงเรียนฝรั่งเศสภาษาเฟลมิชในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 และมักจะคิดว่า[ กลับกลอกคำ ]นักแต่งเพลงที่มีอิทธิพลมากที่สุดระหว่างDufayและสกินเดส์ Prez Ockeghem อาจศึกษากับGilles Binchoisและอย่างน้อยก็มีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับเขาที่ศาลเบอร์กันดีน Antoine Busnoisเขียนลวดลายเพื่อเป็นเกียรติแก่ Ockeghem Ockeghem เป็นการเชื่อมโยงโดยตรงจากสไตล์เบอร์กันดีนไปยังชาวเนเธอร์แลนด์รุ่นต่อไปเช่นObrechtและ Josquin Ockeghem มีอิทธิพลอย่างมากต่อJosquin des Prezและชาวเนเธอร์แลนด์รุ่นต่อ ๆ มา Ockeghem มีชื่อเสียงไปทั่วยุโรปCharles VII ในด้านดนตรีที่แสดงออกถึงแม้ว่าเขาจะมีชื่อเสียงไม่แพ้กันในเรื่องความสามารถทางเทคนิคของเขา

ดนตรีรูปแบบของเพโรตินได้รับอิทธิพลคีตกวีศตวรรษที่ 20 เช่นจอห์นลูเทอร์ดัมส์[58]และเรียบง่ายนักแต่งเพลงสตีฟรี [59]

Bardcoreซึ่งเกี่ยวข้องกับการรีมิกซ์เพลงป๊อปที่มีชื่อเสียงเพื่อใช้เป็นเครื่องดนตรีในยุคกลางได้กลายเป็นมีมยอดนิยมในปี 2020 [60]